Signo e Imagen - Cineastas

Series · 37

books · 1981-2017

By Ana Pérez, Carmen Arocena, Hilario J. Rodríguez, and more

Books in series

Sergio Leone

2004

La obra de Sergio Leone (1929-1989) constituye una de las primeras manifestaciones de la perspectiva cinematografica denominada "peliculas de cinefilo" o "cine sobre cine." El estreno de Erase una en vez America corrigio notablemente su valoracion critica y represento el testamento cinematografico de su singular autor. El texto analiza la personalidad artistica de Leone, describe su trayectoria profesional y recopila numerosas declaraciones suyas y juicios acerca de su cine.

Jim Jarmusch

2014

Cuando muchos otros sucumben a los cantos de sirena de la gran industria, Jim Jarmusch se mantiene fiel a su independencia, lo que le propicia una libertad creativa total, así como un amplio control sobre su trabajo, desde la escritura del guión hasta la propia exhibición, convirtiéndose en una de las miradas más personales y críticas contra el sueño americano y la sociedad moderna dentro del cine actual. Sus películas son sutiles radiografías sobre la cotidianidad, la incomunicación y la soledad, agridulces crónicas de viajes de unos seres inadaptados en un mundo demasiado inmerso en su autocomplacencia, lo que les impulsa por elección propia a un sempiterno vagabundeo dictado al mismo tiempo por las circunstancias del azar. Porque el itinerario, al igual que en las "bildungsroman" o novelas de formación, conlleva múltiples significados como evasión, transformación, experiencia, conocimiento, búsqueda interior e incluso, según Jung, el anhelo de lo nunca colmado.

Tex Avery

2014

Tex Avery sigue siendo, hoy en día, un cineasta relativamente poco conocido, y aún menos estudiado, como de hecho lo son, salvo algunos casos muy concretos, la mayoría de los realizadores cinematográficos que han escogido el arte de la animación como medio de expresión. El cine de Avery jugaba con elementos de la cultura po pular y contaba historias humorísticas dirigidas a un amplio y heterogéneo público, no necesariamente infantil como erróneamente se tiende a creer. Avery fue un director de "cartoons", cortometrajes de animación destinados a ser proyectados en la gran pantalla de una sala cinematográfica como prólogo a las películas de largometraje con actores reales. En definitiva, la de Tex Avery no es una obra aislada e intrascendente dentro del contexto de la historia del cine de animación, sino que representa una de las influencias más poderosas y significativas en la filmografía de un considerable número de animadores y realizadores tanto contemporáneos como posteriores a él.

Christopher Nolan

2017

La carrera de Christopher Nolan ha sido meteórica. Tras debutar en el largometraje con un film rodado con seis mil dólares, en solo unos pocos años Nolan se ha encontrado al frente de superproducciones millonarias que han logrado un equilibrio cuasi perfecto entre las exigencias del cine de gran aparato y las de un cine acusadamente personal, en el cual no es difícil entresacar una reflexión de largo alcance sobre el hombre y la sociedad de nuestro tiempo. Esta monografía propone un acercamiento a un cineasta ambicioso e inquieto, tentado por un tipo de relato problemático, que exige una actitud siempre alerta y activa por parte del espectador. El rigor, la inteligencia y la coherencia con que Christopher Nolan está construyendo su filmografía, título a título, están fuera de discusión.

Wim Wenders

2004

Esta monografia analiza la carrera de uno de los directores mas conocidos del nuevo cine aleman, desde sus primeras producciones, pasando por sus obras de madurez de los anos setenta, hasta sus ultimos films, asi como los temas y preocupaciones que aparecen de manera constante en ellos. Entre sus peliculas cabe mencionar: El miedo del portero ante el penalty, La letro escarlata, Falso movimiento, El amigo americano, Relampago sobre agua, El hombre de Chinatown, Paris-Texas, El cielo sobre Berlin, Tan lejos, tan cerca y Mas alla de las nubes.

Steven Spielberg (Signo E Imagen)

1993

La impresion que se tiene de Spielberg a traves de sus peliculas es que combina a la perfeccion ingenuidad con precocidad. La primera procede de ese "asombro infantil" con el que impregna exitos tan colosales como Encuentros en la tercera fase y E.T., el extraterrestre. La precocidad proviene de la tecnica, de la colocacion instintivamente correcta de la camara y de su habilidad para contar historias a traves de ella. No se puede negar que Spielberg ha revolucionado el mundo del cine, le ha devuelto la magnificencia que tuvo antano.

Federico Fellini (Signo E Imagen)

2004

#10

Ingmar Bergman (Signo E Imagen)

2004

Ingmar Bergman, realizador cuya obra ha sido manipulada y malentendida hasta la saciedad, carecia hasta ahora de un estudio que acometiera el analisis de sus complejos mecanismos enunciativos, tarea que Juan Miguel Company, critico y profesor universitario, culmina mediante la construccion de un modelo descriptivo estructural lo suficientemente pertinente y sencillo como para dar cuenta adecuada del funcionamiento operacional de sus peliculas.

#14

Arturo Ripstein

1998

Este cineasta mexicano es a la vez el heredero y el cuestionador de la vieja tradicion del melodrama en dialogo constante con escritores latinoamericanos como Garcia Marquez, Rulfo y Donoso, o nombres de la literatura universal como Maupassant y Naguib Mahfuz. Su trayectoria revela una busqueda de la identidad a traves de paradigmas tales como filiacion y generacion, masculino y femenino, maternidad y paternidad, la pareja y la familia, sexualidad y religiosidad, mexicanidad y universalidad. En ruptura con las normas dominantes de la produccion audiovisual, el estilo singular de Ripstein presenta una apuesta en la capacidad del cine para reflejar las paradojas del alma humana.

#15

Woody Allen (Signo E Imagen)

2004

Spanish

#25

John Ford

2007

Dueno de un estilo y una capacidad absolutamente inimitables, John Ford practico magistralmente a lo largo de casi 150 peliculas un rigor estilistico y una sabiduria tecnica sin parangon en la historia del cine. A pesar de lo multiple y lo singular de sus recursos, Ford supo siempre sin embargo ponerlos al servicio de su lucido concepto de la expresion cinematografica. Es esta cualidad precisamente la que ha granjeado el respeto y la admiracion expresa de prestigiosos colegas, para quienes ha sido el mejor, el mas completo, el director de directores.

#26

John Frankenheimer

2006

Neoyorkino de origen, John Frankenheimer (1930-2002) comienza sus primeros escarceos cinematográficos a principios de los años cincuenta durante el servicio militar. Su conocimiento del medio teatral, adquirido en el Williams College de Nueva York, y su destreza técnica cinematográfica le llevan a dirigir espacios dramáticos televisivos en directo. Poco después, en 1956, realiza su primera incursión en el cine como director con «The Young Stranger», experiencia que le defrauda enormemente por las diferencias técnicas y laborales con el medio televisivo. Su vuelta al cine no se produce hasta que, en 1961, Burt Lancaster se obstina en llevar a la pantalla la adaptación de un drama de éxito que acabará convirtiéndose en «The Young Savages (Los jóvenes salvajes)». A partir de este momento, películas como «El hombre de Alcatraz» (1962), «El mensajero del miedo» (1962), «El tren» (1965), «Los temerarios del aire» (1969) y, dando un salto en el tiempo, «El año de las armas» (1991), «Ronin» (1998) y «Operación Reno» (2000), conforman una carrera cinematográfica alabada tanto por la crítica como por el público.

#28

Carl Theodor Dreyer

1997

Carl Theodor Dreyer (1889-1968), famoso director de cine de origen danés, comenzó su carrera profesional como crítico teatral y periodista. Estrenó su primera película en 1919 ("El presidente"). En España es más conocido por "La pasión de Juana de Arco" y, sobre todo, por la muy alabada "La palabra" (Ordet). Este volumen procura salir al paso de la tópica imagen, siempre repetida, en la que ha cristalizado su figura y su la de alguien básicamente religioso y trascendental, en vez de la de un minucioso cineasta muy preocupado por reflejar los problemas de individuo concreto.

#29

Akira Kurosawa (Signo E Imagen)

1992

Rare book

#30

Terence Fisher

2013

Vinculado a la ya legendaria productora Hammer Films, para la que dirigió sus mejores películas, Terence Fisher fue un cineasta despreciado en su momento hasta que, en las últimas décadas, su obra se ha visto notablemente revalorizada y situada en el exacto lugar que merece. El cine de Fisher va mucho más allá de su aparente marco genérico. Sus ambivalentes imágenes y los vericuetos de su guión ocultan una serie de líneas temáticas que van desde la reflexión social hasta la psicológica, pasando por un tratamiento del miedo y el sexo que llegó a revolucionar el cine de terror en su momento imponiendo unas constantes de las que, a día de hoy, todavía se sirve el género. Esta monografía, la primera publicada en castellano sobre Terence Fisher, explora toda su filmografía, prestando especial atención a su primera etapa como director y analizando minuciosamente cada una de sus películas.

#33

Alejandro Jodorowsky

2012

El cine es una de las muchas disciplinas artísticas que ha cultivado Alejandro Jodorowsky desde hace más de sesenta años. Personaje proteico, escritor (novelista, ensayista, dramaturgo...), autor y guionista de cómics, director de teatro y de cine de culto, actor, poeta por encima de todo, su escueta filmografía -iniciada tempranamente en 1957- es una rarísima y grata anomalía en la historia del cine. Siete films constituyen un universo creativo propio, en donde lo metafísico y lo terapéutico se dan la mano, en el que lo trascendental e iniciático se expresan mediante un complejo entramado de símbolos. Deudor del Movimiento Pánico, que él mismo creó en París en 1962, sus películas -Fando y Lis, El Topo, The Holy Mountain o Santa Sangre- son ejemplos notables del cine simbólico, poético y vanguardista, influido por el Surrealismo y la contracultura, por Cocteau, Buñuel, Fellini o Tod Browning. Muy seguido por exigentes cinéfilos en América, Europa -especialmente Francia, su país de adopción- y Japón, por ignotos motivos el cine jodorowskiano no ha sido todavía divulgado ni valorado en España como se merece, labor que este libro trata de subsanar.

#34

Aki Kaurismäki

2012

De Aki Kaurismäki (1957), cineasta finlandés de prolija filmografía, puede decirse, sin exagerar, que es una rara avis en los dominios cinematográficos. Meciéndose dulcemente entre el estilizado realismo y el crudo surrealismo, sus películas son ejemplos de precisión, de economía narrativa y de un envidiable don para contar historias con las imágenes, los gestos y las palabras justas. Sus personajes, tiernos y al mismo tiempo pudorosamente inexpresivos, oscilan entre las figuras del melodrama y algún álter ego de Buster Keaton o de los Hermanos Marx. Este libro quiere ser tanto una semblanza y una tentativa de interpretación de este autor esquivo, como un recorrido por su producción desde aquel documental dirigido a medias con su hermano, Saimaa-ilmiö (El gesto de Saimaa, 1981), hasta su última película por el momento, Le Havre (El Havre, 2011). Kaurismäki ha conseguido alcanzar el gesto al que muchos han aspirado en vano: instalar, con una casi milagrosa autenticidad, el desasosegado material postmoderno en los serenos aposentos de la forma clásica. En suma, estamos ante uno de los grandes.

#36

Alexander Mackendrick

2011

Para entender bien la obra y la singular peripecia biográfica de Alexander Mackendrick (1912-1993) es importante saber que el cineasta de origen escocés era un perfeccionista. Aunque este rasgo de su carácter le granjeó si no la enemistad, sí, al menos, la antipatía, de muchos de los profesionales que tuvieron la suerte (más bien la desgracia) de trabajar con él, también es cierto que esa misma enfermiza y meticulosa atención al detalle le sirvió para diseñar y poner en pie algunos de los artefactos fílmicos más rigurosos y sugerentes del cine británico de todos los tiempos: y ahí están, sin ir más lejos, «El hombre vestido de blanco» (1951) y «El quinteto de la muerte» (1955) para demostrarlo. Con los años, esa necesidad compulsiva de interrogarse, e interrogar a los otros, sobre los pormenores de su trabajo acabaría convirtiéndole en un cineasta extraordinariamente consciente de las posibilidades expresivas de su oficio y, por lo tanto, en el candidato ideal para transmitir (como así sucedió, y durante más de veinte años) ese conocimiento a las nuevas generaciones de aspirantes a cineasta.

#37

Howard Hawks

2004

Se puede ubicar a Howard Hawks entre los pioneros del cinematógrafo aunque su aparición se produzca en la segunda mitad de los años 20. La transcendencia de sus películas y la aportación que hizo al lenguaje fílmico, sobre todo en los inicios del sonoro, han sido tan importantes para su evolución que es innegable su aportación personal en el ámbito creativo. Su inmensa producción tocó todos los géneros, desde la comedia al cine de gánsters, desde la aventura al western, desde el cine negro al musical, y en cada uno de ellos logró transmitir una dimensión inédita que convierte muchos de sus títulos en referencias históricas a los que se suele acudir.

#38

Luis García Berlanga

1997

En la filmografía de Luis García Berlanga, que proporcionó al cine español su primer éxito internacional con «Bienvenido, Mr. Marshall», se evidencia un cambio progresivo desde su primera película, «Esa pareja feliz», que ha continuado hasta sus últimas «París Tombuctú» y «El sueño de la maestra». La evolución de la obra berlanguiana no se ha detenido nunca, ni en los temas tratados ni en la técnica empleada, ni en el contenido ni en la forma, provocando sorpresas que le han enfrentado a auténticos conflictos cuyas consecuencias le han conducido a una discontinuidad en su ejercicio profesional. Pero Berlanga ha preferido el cambio y la evolución, ha evitado unos contenidos repetitivos y un estilo permanente que hubieran dado como resultado una filmografía monótona.

#39

David Lynch

2007

El largometraje "Terciopelo azul" y la serie de televisión "Twin Peaks" convirtieron a David Lynch en una figura muy popular en los años ochenta, pese a que su obra se ha mantenido siempre al margen de lo establecido, ahondando en mundos oscuros e inquietantes a partir de tramas, situaciones y personajes de lo más reconocible. Desde los tiempos independientes de "Cabeza borradora" hasta la era digital de "Inland Empire", Lynch ha diseñado algunas de las páginas más perversas y originales del cine contemporáneo. Influenciado por las vanguardias europeas, la pintura de Francis Bacon y Edward Hopper, la estética industrial, de "El mago de Oz" y el pop de los años sesenta, Lynch ha abordado también otras disciplinas (fotografía, pintura, escultura, diseño, cómic, música, publicidad y la creación en internet) con resultados totalmente afines a su imaginario fílmico.

#40

Fritz Lang

1991

Desde las primeras películas con guiones de Thea von Harbou, su mujer, Lang demostró un dominio de los elementos formales y narrativos que haría de él uno de los autores más grandes de la cinematografía por una parte, una atmósfera casi onírica, símbolo evidente de una cierta fuga de la realidad y, por otra, un pesimismo latente que considera al hombre prisionero del entorno y de un destino en apariencia invencible. Títulos como «Metrópolis», «M», «La mujer en la Luna», «Cuando la ciudad duerme» o «Encubridora» son algunos de los hitos de una filmografía que este libro ayuda a descubrir en toda su dimensión.

#42

Buster Keaton

2008

Buster Keaton fue un payaso, un gran payaso. Y los grandes payasos de la historia contemporánea como Chaplin, Harold Lloyd o Rivel, lo fueron por la fidelidad que mantuvieron a la personalidad que habían inculcado a sus creaciones. El rasgo distintivo de Keaton, además de su sombrero «stetson», fue su gesto adusto, serio e impenetrable o, más concretamente, la ausencia de la risa en todas sus apariciones. Creador de películas tan inolvidables como «El moderno Sherlock Holmes», «El navegante», «El rey de los cowboys», «El maquinista de la General» o «El cameraman», Keaton se convirtió y sigue siendo un icono de la cultura occidental.

#44

Miloš Forman

2007

El cine de Milos Forman siempre se ha caracterizado por su compromiso crítico con la sociedad en la que vive. No es de extrañar que formase parte de dos movimientos cinematográficos que cuestionaban severamente los poderes establecidos. En primer lugar la llamada Nueva Ola Checa que criticaba los defectos del régimen socialista. Más tarde, tras la invasión de las tropas soviéticas en 1968, se incorporó al llamado Nuevo Hollywood, cuyo momento álgido fue en los años 70, que se cuestionaba la fractura de la sociedad americana (social, racial y sexual), la intervención en Vietnam y el abuso de poder de los distintos gobiernos americanos. Esta monografía pone al día la cinematografía del director y aporta las claves que permiten comprender la temática del cine de Forman.

#46

Luis Buñuel

1992

Spanish

#49

David Cronenberg

2003

Quizá el lema más acertado para David Cronenberg podría ser la máxima de Gustave Flaubert: "sé regular y ordenado en tu vida, como un burgués, así podrás ser violento y original en tu trabajo". De trayectoria profesional muy peculiar, Cronenberg, que fue primero tachado de "rey de la enfermedad venérea" y completamente despreciado por la crítica tradicional por su adscripción al género fantástico (sobre todo por mostrar imágenes repulsivas llenas de vísceras y sangre) comenzó a ser considerado un cineasta "serio" a partir de su película «Inseparables», y continuó su ascendente prestigio hasta ser nombrado Presidente del Jurado del festival de Cannes. Este libro intenta una nueva aproximación a la obra del cineasta rastreando una serie de constantes comunes aunque siempre en constante evolución y cambio.

#50

Víctor Erice

2007

Esta monografía trata de analizar de manera sistemática los tres largometrajes de Víctor Erice —El espíritu de la colmena, El Sur y El sol del membrillo—, así como su primera intervención en el cine con su sketch en la película Los desafíos y su labor como crítico en la revista Nuestro cine. En los análisis de sus diferentes trabajos se destacan los núcleos temáticos recurrentes que aparecen en todas sus películas y los temas de la filmografía de otros autores que más le interesan.

#51

Luchino Visconti

2000

Estudio bigráfico y crítico de uno de los realizadores italianos más internacionales que cultivó tanto el neorrealismo ("Rocco y sus hermanos") como las grandes adaptaciones ("El gatopardo, Senso") hasta sus obras últimas de refinada decadencia ("Muerte en Venecia, Ludwig").

#52

Roberto Rossellini

1995

Rare book

#53

Elia Kazan (Signo E Imagen)

2004

El nombre de Elia Kazan está asociado a una serie de películas, personajes e intérpretes que brillan con luz propia en la memoria colectiva cinematográfica de la sociedad contemporánea. Actores como James Dean o Marlon Brando y títulos como Un tranvía llamado deseo, La ley del silencio o Al este del Edén han marcado una época y se han convertido en referentes obligados en las historias del cine. El objetivo de este libro es dar cuenta de la carrera de Kazan desde sus inicios en el mundo teatral hasta 1999, cuando recibe un Oscar honorífico, así como indagar en sus películas para descubrir los rasgos más característicos de su obra.

#54

Stanley Kubrick

2004

Rare book

#55

Francis Ford Coppola

2000

Sagas familiares como «El padrino», epopeyas de la magnitud de «Apocalypse Now» (con su nueva versión «Apocalypse Now Redux») o éxitos como «Drácula», además de cinco Oscars de Hollywood y dos Palmas de Oro en Cannes, son algunas de las razones de peso que justifican el interés que despierta una personalidad como la de Francis Ford Coppola. Pero hay otras. De haber sido contemporáneo de Orson Welles habría competido con el realizador de «Ciudadano Kane» para conseguir un espacio de libertad creativa, pero, tras anunciar las grandes líneas de una revolución tecnológica del cine, tuvo que pagar la osadía de desafiar a Hollywood con el fracaso de los estudios Zoetrope. Perpetuo insatisfecho ante la imposibilidad de realizar films de índole artística, anuncia periódicamente que su gran obra todavía está por llegar. La presente edición incluye su última producción hasta el momento, «Youth without Youth».

#56

Charles Chaplin

2000

Rare book

#62

Joseph L. Mankiewicz

1994

El genio de este cineasta, para el que la realización comienza con la escritura, está más vinculado a las palabras que ningún otro. Sus películas se reconocen sobre todo por la inteligencia y la finura de sus diálogos. Pero las imágenes no empalidecen ante el brío del lenguaje, pues la puesta en escena de Joseph L. Mankiewicz es al mismo tiempo el broche más completo de la gran narración hollywoodiense y la expresión de una búsqueda personal, de estilo inconfundible.

#66

Fernando Fernán Gómez

2010

A diferencia de cualquier otro cineasta en la historia de nuestro cine, Fernando Fernán-Gómez vivió en sus propias carnes la repercusión directa (o incluso formó parte) de prácticamente la totalidad de los ingredientes que habrían de dar a cierto cine español de los años cincuenta y sesenta su particularísima textura, su extremada, popular y virulenta crispación esperpéntica, de raíz sainetesca, que ejemplifican a la perfección películas tan extraordinarias como esquinadas por el Régimen como «El mundo sigue» (1963) o «El extraño viaje» (1964). "Si la historia política de las últimas décadas ha hecho creer a los jóvenes que cualquier tiempo pasado fue peor, el hecho de olvidar el arte, la cultura y la diversión de esas épocas no tan lejanas no puede sino incrementar la ignorancia del público, contribuir a una peligrosa indiferencia".

#67

Alfred Hitchcock

2004

José Luis Castro -profesor del Departamento de Arte de la Universidad de Vigo- asegura que todavía queda mucho campo en el estudio de la obra de Alfred Hitchcock y su influencia en la evolución del lenguaje del cine desde su llegada a Hollywood en 1939 contratado por David O'Selznick. Pero para comprenderlo, explica Castro, hay que remontarse a la etapa británica del director -quizá algo relegada en otros análisis-, donde ya se encuentra el origen de algunas de sus constantes semánticas y estilísticas. Y no hay que perder de vista el momento histórico en el que se desarrolla su obra. Con estos dos puntos siempre presentes, el autor profundiza en el lenguaje de este maestro del cine, a la vez que lo sitúa en el contexto en el que se formó y evolucionó.

#68

Ingmar Bergman (El Autor y su obra)

1981

Spanish

Authors

Esteve Riambau i Möller

Author · 3 books

Esteve Riambau i Möller (Barcelona, 25 de gener de 1955) és un historiador, crític i director de cinema català, director de la Filmoteca de Catalunya entre 2010 i 2024.

Joan M. Minguet Batllori

Author · 1 books

Joan Maria Minguet Batllori (Cornellà de Llobregat, 1958) Entre 1993 i 2019 ha sigut professor d'Història de l'Art Contemporani i d'Història del Cinema a la Universitat Autònoma de Barcelona,[2] així com docent de màsters impartits a la UAB o EINA. Va presidir l'Associació Catalana de Crítics d'Art (ACCA-AICA Catalonia) des de 2010 fins al 2016 i participa activament en tota mena de tasques referents al seu treballs com a investigador, comissari i crític d'art.

Jorge Gorostiza Lopez

Author · 1 books

Juan López Gandía

Author · 1 books

Francisco Javier Urkijo

Desde la adolescencia es un gran cinéfilo y lector omnívoro, y mientras cursa sus primeros estudios escribe de modo autodidacta tanto relatos como textos sobre cine, que lógicamente no llegan a publicarse. En 1976 inicia sus estudios de Psicología en la Universidad Autónoma de Madrid, y en 1978 empieza a publicar dentro del mundo de los fanzines, tanto en España como en Francia. Así, en 1980 edita el primer fanzine español de cine fantástico, Morpho, del cual aparecen cuatro números. La repercusión obtenida por Morpho motiva que en 1982, mientras estudia Cine en el madrileño Taller de Artes Imaginarias, reciba dos ofertas profesionales, una de Barcelona para escribir en ciertas revistas, y otra en Madrid para colaborar en el Festival de Cine Imaginario. Se inicia así su carrera, que desde entonces hasta hoy ininterrumpidamente se despliega en múltiples facetas: crítico y reportero de cine; colaborador de entidades como Filmoteca Española, AISGE y Federación Nacional de Cine Clubs; conferenciante universitario y director de cine foros; ayudante de dirección y jefe de prensa en varias películas; miembro del comité ejecutivo de festivales (Madrid, Cádiz, Tenerife, Trieste), etc. Está casado con la escritora canadiense Anita Haas y vive en Madrid.

Agustín Sánchez Vidal

Author · 5 books

Agustín Sánchez Vidal (Cilleros de la Bastida, Salamanca, 1948), catedrático de Historia del Cine de la Universidad de Zaragoza, ensayista, guionista y novelista.

N.T. Binh

Author · 1 books

N. T. Binh est membre du comité de rédaction de la revue Positif et chroniqueur au magazine Zurban. Il est également enseignant de cinéma, producteur, distributeur, réalisateur de documentaires (Claude Sautet ou la magie invisible) et auteur de livres sur Mankiewicz, Lubitsch, Bergman, sur le cinéma britannique et sur Paris au cinéma. Ancien critique de cinéma et directeur de la collection " Ramsay Poche Cinéma ", Dominique Rabourdin est l'auteur de Vincente Minnelli, de Broadway à Hollywood (avec Patrick Brion et Thierry de Navacelle), de Truffaut par Truffaut (Éditions du Chêne) et de Claude Sautet ou la magie invisible (avec N. T. Binh). Il est par ailleurs réalisateur de télévision (" Océaniques ", " Un siècle d'écrivains ") et rédacteur en chef du magazine culturel d'Arte, Métropoles.

Jorge Fonte

Author · 3 books

Tras pasar por la facultad de Filosofía de la Universidad de La Laguna, se graduó como Técnico Superior de Fotografía en la Escuela de Artes y Oficios «Fernando Estévez», en Santa Cruz de Tenerife. Durante esos años fue cofundador de la revista cinematográfica Rosebud, que publicaba el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna. En 1994 participó en un taller de cine, impartido por el director cubano Rolando Díaz (1947) durante el cual escribió y dirigió el documental en 16 mm Frecuencia modulada, que compitió en el XXIII Festival de Cine de Huesca, en junio de 1995. En septiembre de 1997 presentó su primera exposición fotográfica individual en la Sala de Arte y Cultura de La Laguna (Tenerife), bajo el título El Hierro: una isla de piedra. Su carrera como investigador cinematográfico comienza en 1998 con la publicación de su primer libro: Woody Allen (de Editorial Cátedra), que en 2012 vería su sexta edición. A este trabajo le siguieron, dos años después, dos libros sobre Walt Disney: Walt Disney. El universo animado de los largometrajes (1937-1967) ―cuya segunda edición salió en noviembre de 2005― y la biografía Walt Disney. El hombre, el mito. Ambos fueron escritos en colaboración con la periodista Olga Mataix y publicados por T&B Editores. En 2001 publicó, ya en solitario, la tercera entrega de la pentalogía dedicada a la figura del gran maestro de la animación, Walt Disney. El universo animado de los largometrajes, volumen II (1970-2001). Desde mayo de 2001, y durante un año, colaboró con una página semanal dedicada al cine en el suplemento cultural del periódico La Opinión de Tenerife. El último libro dedicado a analizar la filmografía de Walt Disney vio la luz a principios de 2004, con el título Todo empezó con un ratón, que está centrado en los cortometrajes que el estudio realizó entre 1924 y 1965 (las series de cartoons de Mickey Mouse, Donald Duck, Goofy y Pluto). Convertido ya en uno de los máximos especialistas españoles en el mundo Disney, en 2004 fue contratado por The Walt Disney Company Iberia (Madrid) para escribir un libro sobre la historia del estudio Disney en España y Portugal. En los últimos años, se ha propuesto ampliar su carrera y estudiar la filmografía de otros grandes nombres del cine. En ese sentido, en 2008 publicó dos libros más: un amplio estudio monográfico dedicado al cineasta estadounidense Steven Spielberg (Ediciones Jaguar), y otro de similares características centrado en la figura del cineasta estadounidense Oliver Stone (Editorial Cátedra). Paralelamente a estos trabajo, Fonte publicó con la editorial tinerfeña Ediciones Idea un libro de poesía titulado Poemas de juventud. Tras varios años sin sacar ningún libro al mercado, en 2012 vieron la luz nada menos que tres nuevos títulos: Robert Zemeckis (Ed. Cátedra), Russ Meyer. El indiscutible Rey del cine erótico (Ed. JC) y Woody Allen. Escritor y cineasta (Ed. La Página). En enero de 2013 Cátedra publicó un libro dedicado a John Lasseter y en abril de 2015 la editorial catalana Milenio sacó el voluminoso Woody Allen. Músico y cineasta. En mayo de 2016, Fonte vuelve a publicar con Cátedra un nuevo ensayo, esta vez dedicado a la figura de Ridley Scott. Y ese mismo año también sacó su primera incursión en el mundo de la narrativa: se trata de una recopilación de cuentos cortos titulado Natalia y otros relatos sólo para adultos (Ed. Idea, 2016). Tras lo cual regresaría al mundo del ensayo con Woody Allen. El cine dentro del cine (Ed. Diábolo, 2017). 2018 volvió a ser un año en el que coincidirían varias publicaciones. Además de su primera novela, Una isla a la deriva (Ed. Idea), salieron a la luz dos libros más: Sobre Jurassic Park. Un libro que empezó a escribirse hace 65 millones de años (Ed. Dolmen) y El sonido Disney. En busca de la canción perfecta (Ed. Milenio). En 2019 publicó el ensayo Rob Reiner con la Editorial Cátedra, y el segundo volumen de relatos cortos Un día con Milena Velba y más relatos sol

Inigo Marzabal

Author · 1 books

Paulo Antonio Paranaguá

Author · 1 books

Quim Casas

Author · 2 books

Crítico cinematográfico de "El Periódico de Catalunya", miembro del consejo de redacción de Dirigido por y colaborador de "Rockdelux", "Sensacine" y "La Llança". Miembro del comité de selección del Festival de Cine de San Sebastián. Profesor en la Universidad Pompeu Fabra y ESCAC. Autor o coordinador de libros dedicados a John Ford, Fritz Lang, Sam Fuller, Jim Jarmushc, Abel Ferrara, Philippe Garrel, Terence Davies, Clint Eastwood, John Carpenter, David Lynch, David Cronenberg, Georges Franju, Jacques Becker y Joseph Losey, entre otros.

Escritora española. Su obra tiene dos vertientes principales: la narrativa de terror y el ensayo. Desconocida del gran público, es una escritora de culto, cuyo peculiar feminismo sadiano recuerda a la controvertida pensadora norteamericana Camille Paglia y a la novelista británica Angela Carter.

Suzanne Liandrat Guigues

José Luis Castro de Paz